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    【演奏会 感想】エリアフ・インバル指揮東京都響 第803回定期演奏会 クン・ウー・パイク(p)  (2016.03.29 東京文化会館)

    2016.04.04 Monday

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      ・エリアフ・インバル指揮東京都響 第803回定期演奏会
       クン・ウー・パイク(p)
       (2016.03.29 東京文化会館)





       
      <<曲目>>
      ・モーツァルト/ピアノ協奏曲第27番変ロ長調K.595(クン・ウー・パイク(P))
      (アンコール)
      ・ブゾーニ/エレジー集第4曲「トゥーランドットの居間」(パイク)
      ・ショスタコーヴィチ/交響曲第15番


      ---

       先日、ブリテンの「シンフォニア・ダ・レクイエム」とバーンスタインの「カディッシュ」で余りにも鮮烈な演奏を聴かせてくれたインバルと東京都響の、今月のもう一つのプログラムを聴きました。

       曲目は、クン・ウー・パイクを独奏者に迎えたモーツァルトのピアノ協奏曲第27番と、ショスタコーヴィチの交響曲第15番というシンプルにしてヘヴィーなインバルらしい組み立て。どちらも早書きの作曲者の晩年に書かれた、それぞれのジャンルで残した最後の作品であるという共通点があります。

       前半のモーツァルトは、外見は中庸のテンポで淡々と進んでいく一見オーソドックスなものながら、実は細かいところまで神経を遣い、ニュアンスに富んだデリケートな表現を目指したことが見てとれる演奏。その結果として私の耳に届いたモーツァルトは、愉悦と解放へと広がっていく音楽ではなく、哀愁と内省に凝縮、結晶していくような音楽でした。

       澄んだタッチで端正な輪郭を作り、ペダルを多用して潤いのある響きを生み出しながら、弱音を重視し、いつも片隅に哀しみを帯び沈んだ表情を見せるパイクのピアノ。響きの純度は高いまま、複雑な色合いが微量混ぜられたようなオーケストラの中間色の響き。それが抑制されたダイナミズムの中で交錯し、微妙なグラデーションを見せて変化していく。

       晴れ渡った青空を眺めているというよりは、曇り空を仰ぎながら、その合間から時折漏れる日の光と青空が雲の色や形が変わっていくのに心を動かされ、雲の向こうにある、完璧な青空と太陽に果てしなく憧れるといったまなざしを感じさせる。こんなモーツァルトの捉え方があるのかと驚きました。それが好きか嫌いかと言われると、もう少し青い空を見たかったという気持ちがある反面、涙をいっぱいにためて内向きのメッセージを発するようなメランコリックなモノローグには心を動かされずにはいられませんでした。

       私自身、歳を重ねるごとに自らの内にある「メランコリー」というものの存在の大きさに驚き、最近耳にする音楽のあちこちの裂け目から「メランコリー」が見えていることに共感したりしているからで、その意味ではとても今日的なモーツァルトという気さえしました。いわゆるオーセンティックな演奏とは真っ向から反対するような古風な演奏に対して「今日的」と感じることができるというのは、モーツァルトの音楽の普遍を物語っているとも言えるし、それこそが音楽の面白さなんじゃないかと思いました。とても不思議な体験。

       アンコールではパイクはブゾーニの悲歌集の第4曲「トゥーランドットの居間」を弾きました。グリーンスリーヴスのメロディを、目まぐるしく転調しながら、きらきらと輝くような刺繍を施しながら、鮮やかに変奏していく洒落た曲ですが、彼はこれをまたこれみよがしの技巧をひけらかすことなく、高貴な佇まいをもった歌に満ち溢れた曲としてしみじみと聴かせてくれました。

       休憩後は、お待ちかねのショスタコーヴィチの交響曲第15番。

       私は最近、このショスタコーヴィチの最後の交響曲は、本質的にはアナグラム(言葉遊び)の音楽なんじゃないかと勝手に理解しようとしていました。

       数々の自作・他作(ロッシーニやワーグナー)の謎めいた引用はただの思わせぶりな「餌」にしか過ぎず、言葉遊びの過程で連想ゲーム的に思いついた音たちを楽譜に書きつけていったら、あら不思議、交響曲ができあがっちゃいました、というのがこの曲。何か具体的な主張がある訳ではないので、音楽をどう聴き、どう感じ、何を聴きとるかは聴き手に完全に委ねている。

       この音楽の謎解きに血眼になっている聴き手を、作曲者当人は笑って眺めている。自分はなーんも考えてないで書いたし、自分の何が音楽に反映されてるかも分からない、そもそも、音楽って何か具体的なものを表現したものじゃないし、音楽に意味なんて必要なのかい?音楽って意味論を超えた普遍的な価値を持ったものなんじゃないのかい?とシニカルな笑顔を投げかけながら。今までの交響曲みたいに、ひたすら意味を求めて(強制的に求められて)書くのはもう飽きた、最後は思い切り好きな音楽を書きたいという本音が、おもちゃ箱をひっくり返したような音に反映されている・・・。

       そう思って聴くと、この交響曲が「腑に落ちる」気がしていました。しかも、休憩時に客席で読んだプログラムの増田良介氏の曲目解説でも、「自分はどうしてこれらの曲を引用したか分からない、説明できない」というショスタコーヴィチ自身の言葉が紹介されていて、自分の考えは結構いい線をついているんじゃないかと思いを強くしていました。

       ところが、インバルと都響の演奏は、そんな私の理解とは正反対に、「ショスタコーヴィチが私に語ること」を音で追求したものと聴こえました。音楽をフレーズやモチーフ、ブロック、それらすべての構成単位に必ず一番強い音(アクセント)を設定し、他の音と明確に区別をつけることで、あたかも音楽が「言葉」であるように感じられたからです。昨年末の「第9」で感じた「ロゴス」が演奏を支配しているような気がしました。

       困惑しました。私の中で数えきれないほどの疑問符が駆けめぐりました。

       やはりこの曲には何か具体的なメッセージが含まれているのだろうか?インバルは作曲者のメッセージを聴きとり、それを自己の中で明確に言語化した上で具現化しているのだろうか?だとすると、そのメッセージとは何なのか?やはりここでも、インバルは"Ja!"という肯定を見出しているのだろうか?

       第1楽章の諧謔的なアレグロは何かの悲劇の予兆?悲劇は遠くから見ると喜劇であるということが「ウィリアム・テル」の引用に繋がっている?第2楽章のひたすら室内楽的な薄い音楽は、作曲者の果てしない心の孤独が表現されている?このうすら寒い景色はシベリア?「ムツェンスクのマクベス夫人」の最終幕の光景?あるいは弦楽四重奏曲第8番で描いたような空襲後の荒廃した都市?第3楽章は自暴自棄の哄笑?第4楽章は悲劇の到来の末の虚無への回帰?死を前にした人間の諦観?コミカルでさえある機械的な打楽器のみのパッセージは、ゼンマイ仕掛けの人形の終焉?そんな空しさの中でも、人間は生きろ、人生のYESと言え、ということか?

       ・・・そのどれもが間違っているような気もするし、インバルの音楽から感じられるドラマのようなものが正解のようにも思える。いや、あるいはインバルの演奏からそういうメッセージを聴きとること自体が私の先入観による誤解なのかもしれない。果てしなく頭がこんがらがってしまって、音楽にのめり込めなかった。もっと音遊びに徹して、ただ音響構造体としての音楽を提示してくれればいいのに、という思いがいつもどこかにあった。私のイメージと合致するような決定的な演奏を聴けるのではないかという期待を胸に臨んだだけに、私の中での混乱はさらに大きくなりました。

       演奏が良くなかったとはまったく思いません。むしろ、今のインバルにしかできない熟達した音楽づくりのおかげで、この曲に内在する今まで気づかなかった様々な景色に出会えたのは大きな収穫でした。

       あるいは、両端楽章のクライマックスでの眩いばかりの破壊力も、主にヴァイオリンから引き出していた蠱惑的な歌も、ユーモアをたたえつつシニカルな管楽器のソロも魅力的でした。そして何よりも、どんなに常に明晰さを失わないで複数の線の重なりをクリアに聴かせる対位法的な処理のたしかさは彼の面目躍如たるところ。交響曲第2番のウルトラ対位法の意図的な劣化コピーが、弦と管で別々に二回に演奏されるあたりのスリリングな響きには興奮さえ覚えました。

       都響も必ずしも完璧な出来とは言えないながら、インバルの棒に食らいついて、迫真の演奏を聴かせてくれたと思います。室内楽的な細やかなアンサンブルから、トゥッティの分厚い音塊まで、豊かな響きのパレットが感じられたのは良かった。技術的に難しい各楽器のソロも、特にトロンボーン、コンサートマスターの妙技には唸りました(チェロだけはこんなソロはいくら何でも難しすぎるだろうと素人チェロ弾きの私は気の毒になって作曲者に抗議したくなります・・・)。

       そうした数々の美点を感じながらも、インバルと都響の演奏に手放しで浸れなかったのは、偏に、私がこの音楽への足がかりとしていたものが崩れそうになって慌てふためいてしまったという、ごくごく個人的でイケてない理由によるものです。

       しかし、正直言えば、インバルのショスタコーヴィチならば、15番よりも8番(秋には演奏予定)や13番を聴きたいと思いました。要するに、血の通ったあたたかい音楽を身上とする彼にとって、今回演奏した第15番が「向いている」曲とはあまり思えないのです。この曲ならば、冷血非情くらいの仮借のなさをもった指揮者か、あるいは、これを現代音楽的にただの音響構造体としてあっけらかんと振ってしまう指揮者の演奏で聴きたい。インバルからは「お前は何にも分かってない!」と叱られてしまうかもしれませんが、私はそんな風に感じるのを止められません。

       また、かなりな贅沢を言っているのだと認識しつつも、都響も、この一瞬たりとも気の抜けない難曲を自分のものとして演奏するには、超えなければならない技術的、精神的なハードルはまだあるんじゃないかと感じました。例えば、第2楽章で、超絶的に難しいソロのバトンタッチで音楽を繋ぎながら流れを作り、一つの「楽章」へと大きく作り上げるには不足しているもの(具体的に何かは私には分かりません)があったと思うし、アンサンブルの詰めをもっと厳しくする余地は至るところにあった。文化会館の逃げ隠れできないデッドな響きの中でこの曲を演奏した楽団員の方々自身が、多くの課題を見出されたでしょう。その意味では、今、この曲をやったことは決して無意味ではないでしょうし、次にこの曲を実演で聴かせてくれる時には、今回よりも進化した音楽に出会えるはずだと私は信じています。

       さて、3月恒例となった「インバルと都響の春」が終わってしまいました。ショスタコーヴィチでは今一つ消化不良を起こしましたが、何と言っても「シンフォニア・ダ・レクイエム」と「カディッシュ」を聴けて良かった。あの日聴いた音楽は私は一生忘れません。彼と都響に最大限の感謝を伝えたい。次のインバルの来日が今から待ち遠しい。

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